Tempo fa stavo andando a fare un matrimonio nel sud Italia in compagnia di Edgard De Bono, un amico collega di base a Udine, che per l’occasione era venuto a darmi una mano. Durante le 5 ore di viaggio in macchina, abbiamo parlato, con infinito piacere, di fotografia toccando gli argomenti più diversi. Le discussioni sono state talmente interessanti che il tempo è decisamente volato. Tra le varie cose sulle quali ci siamo soffermati una in particolare mi è tornata alla mente in questi giorni: lo stile in fotografia. Il tutto nasceva da alcune considerazioni seguenti la lettura del portfolio di Edgard da parte di Marco Pinna, eccellente photoeditor del National Geographic Italia. Durante la lettura, più di una volta si è parlato dello ‘stile’ National e di come, per essere almeno presi in considerazione (non dico pubblicati) nella visione del progetto proposto, si debba presentare il servizio fotografico a corredo secondo la linea editoriale della rivista.

Niente di male; anzi credo sia fondamentale mantenere, adattandola ai tempi, quell’impronta coerente che ha distinto il magazine nel corso degli oltre 100 anni dalla sua prima pubblicazione. Quei periodici che hanno stravolto il loro layout, non solo nella grafica ma soprattutto nei contenuti, hanno riportato delle cocenti delusioni. Mi viene in mente Airone che dalla rivista naturalistica e fotoscientifica che era negli anni novanta adesso si è profondamente trasformata perdendo quell’identità e quel pubblico di lettori che aveva.

Questo essere vincolati a uno stile ci ha portato però a fare delle considerazioni. Se un fotografo bravo, con capacità, taglio, occhio fuori dal comune, una visione del mondo assolutamente personale volesse collaborare con il National, ma non volesse cambiare il suo modo di scattare, non potrebbe lavorare con loro? E’ risaputo che il National non pubblica – salvo pochissime eccezioni – in bianco e nero quindi, ad esempio, un Berengo Gardin, che notoriamente scatta solo in bianco e nero, volesse iniziare una collaborazione con il magazine verrebbe costretto a cambiare approccio alla sua fotografia? Ricordo che scattare in bianco e nero non è solo utilizzare una pellicola monochrome oppure convertire in scala di grigi un file digitale, è un modo diverso di vedere il mondo, è un andare oltre la visione normale dell’immagine, è, come dice il fotografo iraniano Abbas, trascendere il mondo a colori. ‘Quando non devi lavorare con i colori della realtà, lavori davvero con altre cose’.

Mi ricordo che queste considerazioni furono riprese dopo la pubblicazione del reportage di Alex Majoli sulla ‘primavera araba’ in Egitto nel numero di Maggio 2012. Se andiamo a rileggere le foto di quel bellissimo servizio ci si rende conto che tutte hanno palesemente lo stile National che però non è il modo ‘classico’ di scattare di Majoli. Basti vedere il reportage sul conflitto in Georgia o il reportage sull’Aids io Russia oppure leggere il suo libro Leros sui manicomi in Grecia.

A tal proposito ho rivolto una serie di domande allo stesso Pinna, chi meglio di lui può toglierci questi dubbi. Con la gentilezza che lo contraddistingue ecco quello che mi ha risposto.

A.: Si parla di stili in fotografia e spesso ci si riferisce al modo di scattare del fotografo, invece esiste anche uno stile legato al giornale o magazine dove le foto verranno pubblicate. E’ vero? E in tal caso mi confermi che esiste uno ‘stile National’?

P.: È assolutamente vero; ogni rivista che si rispetti ha il suo stile fotografico, per quanto negli ultimi anni molte riviste di settore abbiano chiuso e ormai quelle che resistono sono poche (il magazine cartaceo è ormai un genere in via di estinzione). Ma soprattutto nella metà del secolo scorso, fino agli anni settanta, molti grandi magazine avevano stili caratteristici e inconfondibili sia nell’impaginazione, sia nella fotografia (vedi LIFE, Time, Newsweek, Paris Match, Vogue, Vanity Fair, Fortune, ecc, ecc). Persino le riviste di settore interamente dedicate alla fotografia prediligono un certo stile rispetto a un altro: per citarne due francesi, PHOTO ama lo stile un po’ glamour più vicino al mondo della moda, mentre POLKA predilige il reportage classico fatto più di contenuti che di forma.

National Geographic non fa eccezione, anzi, è forse una delle riviste dallo stile più caratteristico in assoluto, uno stile che si è evoluto negli anni ma che si è sempre mantenuto coerente in 125 anni di storia.

A.: Come si può descrivere tale stile?

P.: I fotografi che lavorano per National Geographic Magazine sono pochi, forse un centinaio in tutto il mondo, e c’è un motivo: a loro si chiede un genere di reportage limpido, molto completo e molto accurato, con una qualità costante che non tutti sono in grado di fornire e, come se non bastasse, con immagini ben al di sopra della media, che devono colpire la fantasia del lettore anche per la loro originalità e qualità tecnica. Al di là dell’approccio documentaristico, che deve essere a 360 gradi (in genere si chiedono almeno dieci situazioni fotografiche diverse per un tema specifico), il fotografo National Geographic deve portare a casa immagini pulite, croccanti, incise, il più vicino possibile alla realtà ma scattate con punti di vista e tecniche originali e suggestive. Insomma, deve avere una marcia in più dal punto di vista fotografico pur mantenendo un rigore documentaristico impeccabile.

A.: E’ giusto che un fotografo debba cambiare il suo modo di scattare per adattarlo a quello del giornale per cui sta lavorando? Mi spiego con un esempio (non so se sei d’accordo sulle mie considerazioni): ho visto alcuni mesi fa pubblicato un servizio fotografico di Majoli sulla cosiddetta primavera araba in Egitto, se confrontiamo quegli scatti con il ‘normale’ modo di fotografare di Alex mi sembra ci sia una netta differenza, non trovi?

P.: Molti fotografi “snobbano” lo stile National perché, a loro avviso, non lascia spazio alla fantasia e alla creatività e mette troppi paletti. Ma poi, se capita loro di ricevere un commissionato ben pagato dal magazine americano non lo rifiutano di certo, e fanno del loro meglio per adattarsi alle richieste della rivista. A mio modo di vedere, un professionista deve essere in grado di comprendere le esigenze del suo cliente e portargli il prodotto che vuole, a meno che questo non vada contro il suo codice etico o morale o che non si consideri un artista affermato con uno stile consolidato. Poi è chiaro che sta anche al photoeditor di un giornale scegliere il fotografo giusto a seconda delle sue esigenze. È evidente che non sceglieremo un fotografo specializzato in foto di guerra per un servizio di moda…

A.: Il National non pubblica – quasi mai – servizi in bianco e nero, ma se si commissionasse un lavoro a un fotografo che scatta solo in bianco e nero (tipo Berengo Gardin) che te mi insegni non è solo un modo di scattare, ma è un modo di pensare e di vedere il mondo, verrebbe in qualche modo spinto a lavorare con uno stile che non gli appartiene?

P.: In parte ho già risposto a questa domanda: National Geographic non commissionerebbe mai un servizio a Berengo Gardin e non si sognerebbe mai di chiedergli di cambiare il suo stile (come non lo hai mai fatto con Cartier-Bresson, che pure negli anni 50 e 60 lavorava per LIFE realizzando servizi a colori ben diversi dal suo stile classico). Semplicemente, sceglierebbe un altro fotografo. Poi si possono fare anche delle scelte azzardate, correre il rischio, e vedere come va: sono molti i servizi commissionati da National rimasti impubblicati perché non erano soddisfacenti, così come non è affatto raro che il fotografo venga rispedito sul posto per fare altre foto se il risultato non è soddisfacente. Comunque sia, non esiste alcuna forma di coercizione o indottrinamento nei confronti dei fotografi: si tende piuttosto a scegliere quelli il cui stile si avvicina il più possibile agli standard della rivista.

Considerazioni condivisibili anzi, con le dovute differenze e distinguo, si potrebbe estendere la ‘questione di stile’ anche ad altri campi della fotografia come la moda o il matrimonio dove si può riflettere se un fotografo debba adattare il suo modo di scattare per venire incontro – in questo caso – alle esigenze del committente sia questo uno stilista di abiti sartoriali che una coppia per il grande giorno. Personalmente ritengo che quando si arriva a fotografare con un proprio stile, frutto di un percorso e di una ricerca talvolta molto lunga e direi intima, si debba continuare a proporsi in tal senso anche perché la fotografia diventa una sorta di riflesso del proprio essere. Ansel Adams diceva che non si fotografa solo con la macchina, ma nell’atto di scattare ci si porta dietro tutte le foto che abbiamo fatto, tutti i libri che abbiamo letto, tutta la musica che abbiamo ascoltato, tutte le persone che abbiamo amato. D’altro canto non dobbiamo però essere troppo presuntuosi del nostro lavoro e imporci prevaricando le aspettative di colui che stiamo fotografando. Per dirla con Henry Cartier Bresson: “Fotografare vuol dire tenere nel più grande rispetto se stessi e il soggetto”. Tale rispetto credo che lo si ottenga dal conoscersi reciprocamente: io scelgo te [fotografo] perché hai uno stile che vedo adatto a raccontarmi.

Insomma credo siano legittimi qualche piccoli compromessi se però questi non ‘violentano’ il proprio modo di pensare lo scatto e il proprio riflettere in immagini la storia di un percorso personale.

Buona luce

[Le fotografie qui presentate, nel rispetto del diritto d’autore, vengono riprodotte per finalità di critica e discussione ai sensi degli artt. 65 comma 2, 70 comma 1 bis e 101 comma 1 Legge 633/1941.]

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